Se compone de 274 piezas; y se muestran las dos versiones que existieron en México de los años 30 y 40 sobre el nazismo y el fascismo. Po una parte, intelectuales como José Vasconcelos y Gerardo Murillo, el famos Dr. Atl, y periodistas como Pablo Gonzalez Ordorica y Juan Osorio, apoyaron esas ideologías, mientras que en contra parte, Diego Rivera, Raúl Anguiano, Leopoldo Mendez y Pablo O´Higgins, entre otros, las combatieron en favor del socialismo.

En la primera parte, la muestra acopia documentos que explican el fin de la Primera Guerra Mundial y los antecedentes del fascismo en Europa, luego el ascenso del Nazismo, la Guerra Civil Española y la derecha radical en México.

También se muestran citas insólitas del Dr. Atl en favor del nazismo y en contra de los judíos, así como gran parte de la gráfica antifascista mexicana, encabezada por los muralistas, así como Leopoldo Méndez y Chavez Morado, entre otros.

Al final de la muestra, se exhibe la pintura, El refugio de Hitler, de Diego Rivera, sobre el lugar devastado que ocupó el líder del nazismo a la caída de Berlín. Aquejado por el cáncer, el muralista viajó a Moscú en 1955, a fin de encontrar una cura. Durante ese viaje recorrió diversas ciudades de Europa y hace una escala en Berlín, donde es testigo de la devastación que aún permanecía, ocasionada por la Segunda Guerra Mundial.

En lo que habría sido el jardín de la Cancillería, visita las ruinas del Búnker que Adolfo Hitler se construyó, previo a la toma de la ciudad y a la caída del Tercer Reich. A su regreso a México, Rivera pintó ese emblemático cuadro que muestra la visión del artista sobre el fascismo y el futuro de la humanidad: el socialismo.

La exposición Dos miradas al Fascismo: Diego Rivera y Carlos Monsiváis, podrá ser visitada de miércoles a lunes de 10:00 a 18:00 horas, desde el 4 de agosto hasta enero de 2012, en el Museo del Estanquillo, Colecciones Carlos Monsiváis, con el apoyo de la Secretaría de Cultura del Distrito Federal. El museo se encuentra en Isabel la Católica 26, esquina Madero, en el Centro Histórico.

La riqueza cultural y la complejidad de estas civilizaciones, que se desarrollaron en esta parte del Golfo de Mexico, a partir de 1200 a.C. y hasta 1500 d.C., su ideología y diversidad de expresiones artísticas, así como las prácticas comerciales que algunas de ellas establecieron con pueblos mayas y teotihuacanos, son alguos de los aspectos más relevantes que aborda esta muestra.

Consta de 209 piezas, y es el resultado de casi dos años y medio de trabajo realizado por restauradores, luego de que las piezas fueron registradas y catalogadas para su primera exposición al público.

“La exposición describirá la cosmogonía de estas culturas, su íntima relación con la flora y la fauna, algunas de sus principales deidades, sus prácticas comerciales y la complejidad simbólica del juego de pelota, por medio de diversas piezas, como figurillas y silbatos en forma de mujeres, hombres y animales; así como cajetes, esculturas, pectorales, platos, vasijas, braseros, yugos, palmas, hachas, objetos rituales y elementos arquitectónicos”, mencionó el arqueólogo David Morales, curador de la exhibición”.

“Con los teotihuacanos hubo una relación mucho más estrecha, pues incluso al sur de Veracruz hay un zona arqueológica totalmente de influencia teotihuacana, llamada Matacapan, que se localiza en el municipio de San Andrés, en los Tuxtlas”, comentó el arqueólogo Morales.

En cuanto a esculturas de gran formato, el especialista David Morales adelantó, que en la muestra sobresale un tiburón tallado en piedra de alrededor de un metro y medio de longitud —casi de tamaño natural—, que proviene de la zona arqueológica totonaca de Cempoala y corresponde al periodo Clásico Tardío o al Posclásico (900-1110 d.C.).

“Además se exhibirá una talla en piedra de Xipe Tótec (deidad de la agricultura y la fertilidad), de 1.30 metros de largo, procedente de Castillo de Teayo”, añadió el arqueólogo del Centro INAH-Veracruz.

La exposición se integra de piezas pertenecientes a diversos museos de esa entidad, como el de Tampico Alto, El Naranjo, de Tuxpan, de Castillo de Teayo, de la Zona Arqueológica de El Tajín, de Córdoba, del Centro Comunitario Jamapa, de Palmillas, de Santiago Tuxtla y de Boca de Río; así como del sitio arqueológico de Filobobos y de algunas colecciones del Centro INAH-Veracruz.

Veracruz: antiguas culturas del Golfo permanecerá hasta finales de octubre próximo, en el Instituto Veracruzano de la Cultura, ubicado en calle Francisco Canal S/N, esquina Zaragoza, en el Centro Histórico del Puerto de Veracruz. Horario: 9:00 a 19:00 horas, de lunes a domingo. Entrada gratuita.

Durante un recorrido con medios de comunicación, Miriam Kaiser, directora de Exposiciones del INAH, explicó que la muestra está integrada por 106 obras, entre las que sobresalen dos cabezas colosales, conocidas como la 5 y la 9, de cuatro y seis toneladas, respectivamente, y tres mil 200 años de antigüedad. Ambos monolitos fueron hallados en la Zona Arqueológica de San Lorenzo, Veracruz, y forman de la colección del Museo de Antropología de Xalapa.

Este par de cabezas con la efigie de rostros masculinos —la 5, de 1.82 m de alto por 88.9 cm de ancho y 67.3 cm de espesor, y la 9, de 1.65 m de alto, 1.36 m de ancho y 1.17 m de espesor —, se suman a otras dos de grandes dimensiones que se exhiben de forma permanente en el MNA, de tal suerte que el público puede ver cuatro de estos majestuosos monumentos hechos en basalto.

“De las 17 cabezas halladas en la región del Golfo de México —la mayor de ellas de 24 toneladas—, no hay ninguna igual a otra, todas tienen rasgos distintos y, por lo general, representaban a gobernantes; sin embargo, no se ha encontrado ninguna escritura que permita saber a qué jerarca corresponde cada una de ellas. La cultura olmeca todavía guarda muchos enigmas y secretos”, subrayó Miriam Kaiser.

Por su parte, la arqueóloga Érika Gómez, coordinadora de proyectos de exposiciones del INAH, comentó que la muestra se divide en cuatro apartados: la primera alude a la época de esplendor de la cultura olmeca (de 1800 – 400 a.C.), continúa con la exhibición de diversas piezas escultóricas representativas de jerarquía y poder. La tercera parte se refiere a las regiones influenciadas por los Olmecas, y finaliza con el legado de esta cultura, enfocado a sus técnicas escultóricas y cuestiones agrícolas.

Entre las piezas de gran formato, se encuentra el conjunto de esculturas denominado los Azuzules, en alusión al sitio donde fue encontrado, en El Azuzul, Veracruz; se trata de cuatro esculturas, de las cuales para esta exposición se presentan tres: un jaguar y dos personajes que representan a dignatarios o sacerdotes denominados Gemelos, toda vez que son prácticamente idénticos.

Debido a que la mayor parte de la exposición se conforma de esculturas de grandes dimensiones, éstas fueron montadas, con las medidas de seguridad pertinentes, en la parte externa a las salas de Culturas de la Costa del Golfo, Oaxaca y Mexica, del MNA.

Obras Colosales del mundo Olmeca también incluye objetos de cerámica, jade y un busto de madera de la Zona Arqueológica El Manatí, en Veracruz, de hace tres mil 200 años, las cuales se exhiben en sala, con las condiciones climáticas que requieren.

Entre ellas se encuentra un par de hachas votivas elaboradas en jadeíta, que datan del periodo de 900-400 a.C., halladas en La Venta, Tabasco. Una de ellas representa una estilizada mazorca de maíz, y la otra está personificada, de tal forma que muestra un par de ojos debajo de una cinta para la cabeza con una planta de maíz central, flanqueada por dos mazorcas más pequeñas.

Además se presenta la Ofrenda 4 (La Venta, Tabasco, 900-400 a.C.), compuesta por objetos de jadeíta, serpentina y, posiblemente, granito. La colección consta de una extraordinaria reunión de objetos que representan una escena ceremonial, mediante seis hachas de jadeíta que forman un muro y una figura humana en el centro. Frente a ellas hay 15 figurillas humanas, dos de jadeíta y 13 de serpentina, estas últimas representan a individuos con cabezas rapadas.

El contorsionista es otra de las piezas sobresalientes de la muestra, y procede de Las Choapas, Veracruz (1200-600 a.C.). La escultura representa a un acróbata mirando hacia adelante con los pies en la cabeza. La pose acrobática, que se ha observado en diversas esculturas monumentales y objetos de escala pequeña, fue una representación simbólica —tanto para los olmecas como para los primeros mayas— del gobernante personificado como dios maíz.

El Monumento 34, del municipio de Texistepec, San Lorenzo, Veracruz (1400–1000 a.C.), es otra de las piezas de gran formato de la muestra que alberga el Museo de Antropología; mide casi un metro de altura y fue depositada como ofrenda en la época prehispánica.

Otras obras olmecas que destacan son: la escultura de El Jaguar Danzante, también de más de un metro de alto, que representa a un felino en pose agazapada y que fue hallada en Tuxtla Chico, Chiapas (600-300 a.C.); el Monumento 19, del municipio de Acayucan, Laguna de los Cerros, Veracruz (1200-1000 a.C.), de más 1.5 metros de altura, que consta de una escultura que representa a un individuo de pie y decapitado, quizá durante un cambio de poder.

Los visitantes también pueden apreciar la escultura El Príncipe, del municipio de Sayula de Alemán, Cruz del Milagro, Veracruz (1200–900 a.C.), de 1.30 m de alto, que muestra a un hombre sentado con las piernas cruzadas, la cual podría representar a un líder o gobernante local en un pueblo que estaba bajo la autoridad de un centro más importante, como San Lorenzo.

La olmeca es una cultura muy atrayente, cuya grandeza ahora puede ser admirada por el público nacional en Obras Colosales del mundo Olmeca, exposición que conquistó al público estadounidense durante los casi ocho meses de exhibición en las ciudades de Los Ángeles y San Francisco.

Con la curaduría de Virginia Mary Fields, recientemente fallecida y quien fuera especialista de Arte en América Antigua, del Museo de Artes del Condado de Los Ángeles, EU, la magna exposición se integra con piezas procedentes de museos como el de Antropología de Xalapa, y Tuxteco (Veracruz); Amparo (Puebla); Regional de Chiapas, y Arqueológico de Tapachula (Chiapas); Parque Museo La Venta (Tabasco); de Antropología “Palacio Cantón” (Yucatán), entre otros.

Obras Colosales del mundo Olmeca permanecerá en el Museo Nacional de Antropología (Reforma y Gandhi, Bosque de Chapultepec) hasta finales de octubre. Costo de acceso al museo: 51 pesos. Horario: martes a domingo de 9:00 a 19:00 horas. La entrada es gratuita para niños menores de 13 años, estudiantes y maestros con credencial vigente; adultos mayores de 60 años, jubilados y pensionados. Domingos entrada gratuita a público nacional y a extranjeros residentes en México. (Con identificación vigente, IFE o FM correspondiente).

Estos cuadros, que presumiblemente formaron parte de un retablo barroco, proceden del Museo de Guadalupe, Zacatecas, y llegan ahora al museo de la Angelópolos, dende se estarán mostrando hasta enero de 2012.

La muestra está organizada por el INAH, exhibe esta serie de medallones pintados por Cabrera (uno de los más celebres pintores novohispános), entre los que destacan: LA ANUNCIACIÓN, EL CASAMIENTO DE JOSÉ, EL NACIMIENTO DE JESUS, LA CIRCUNCISIÓN, LA ADORACIÓN DE LOS REYES MAGOS, LA MUERTE DE CRISTO Y LA ASUNCIÓN.

Las obras pictóricas tienen el mismo formato, por lo cual se piensa que originalmente formaron parte de un retablo mariano de algún templo de Zacatecas. Sin embargo, Violeta Tavizón Mondragón, subdirectora del Museo de Guadalupe y curadora de la muestra, señala que no se ha encontrado ninguna documentación del altar original.

“Los medallones —llamados así porque son óleos de forma oval— posiblemente formaron parte de un retablo mayor, pero en el siglo XIX se les colocó el marco que ahora tienen, que es una moldura de yeso con hoja de oro”.

Los 14 óvalos de la serie exponen en forma cronológica, de acuerdo con la descripción de la Biblia, episodios clave de la vida de la Virgen; de éstos sólo el que representa La Anunciación de la Virgen María, está firmado por Miguel Cabrera, “esto debido a que en esa época era costumbre de los artistas únicamente firmar la primera obra del conjunto”, explicó Tavizón Mondragón.

Al hablar del valor estético e histórico de las obras de Miguel Cabrera, la curadora comentó que fue uno de los pintores más connotados del siglo XVIII, quien elabora estos cuadros a partir de un tratado denominado El arte de la pintura, del español Francisco Pacheco, en el cual se narra la vida de la Virgen y de Jesús, y se establece la forma en que deben pintarse los personajes, lo que estaba permitido y lo que no.

“Cabrera pintó las escenas tal cual lo estableció Pacheco en su tratado, con los rostros muy dulces, la piel sonrosada y el uso de colores cálidos, que representaban parte del ideal para las mujeres novohispanas, de tomar como ejemplo la vida de la Virgen María. Es un conjunto característico de la última etapa del barroco del siglo XVIII”.

Nacido en Oaxaca, Cabrera fundó en la Ciudad de México un taller de pintura, en el que se formaron pintores célebres como José de Ibarra. “Marcó un estilo estético en el arte plástico, en particular en la pintura barroca, la cual era muy contrastante entre luces y sombras, y la volvió una pintura más dulce, con colores cálidos; además, en muy poco tiempo logró una extensa producción artística, con lienzos de grandes dimensiones, como los que lucen en la Escalera Regia del Museo de Guadalupe, en Zacatecas”.

Violeta Tavizón comentó que México resguarda un acervo importante de Miguel Cabrera, en museos como los nacionales de Historia “Castillo de Chapultepec” y del Virreinato, las catedrales de México y Puebla, y el Museo de Guadalupe, en Zacatecas, al cual pertenece esta serie de 14 óleos, junto con un lienzo titulado La adoración de los pastores y otros dos cuadros de gran formato.

La curadora abundó que si bien, la mayor parte de la producción de Cabrera fue la pintura religiosa, también destacan los retratos que hizo de la sociedad novohispana del siglo XVIII, al igual que la serie de pinturas de castas. “Plasmó cada una de las clases sociales, que eran 22, y retrató a personajes connotados de la época, como Sor Juana Inés de la Cruz; cuadros que están bajo resguardo del Museo Nacional de Historia”.

Tavizón refirió que Miguel Cabrera fue el primer pintor que revisó la tilma de Juan Diego en 1751, y cinco años después publicó un estudio titulado Maravilla americana y conjunto de raras maravillas, en el que describe el cuadro y concluye que se trata de una “obra divina”.

“Cabrera era un excelente pintor y uno de los más prolíficos, ya que se conocen alrededor de 600 obras suyas esparcidas en el país y en el extranjero. Para 1756, cuando ocurre el deceso de José de Ibarra (quien fuera uno de sus más destacados aprendices), ya era considerado el pintor más importante de la Nueva España”, concluyó la especialista.

Finalmente, Delia Domínguez, directora del recinto poblano, comentó que la exposición Miguel Cabrera, un ideal novohispano, se complementa con el óleo José con Niño Jesús en brazos, pieza que se atribuye al mismo autor y que forma parte del acervo del Museo Regional de Puebla.

El Museo Regional de Puebla se ubica en avenida Ejército de Oriente s/n, Centro Cívico Cinco de Mayo, zona de los Fuertes de Loreto y Guadalupe. Horario: martes a domingo de 9:00 a 17:30 horas. Costo de acceso: 41 pesos, entrada gratuita a menores de 12 años, estudiantes y maestros con credencial vigente, y personas de la tercera edad; domingos la entrada es libre para el público mexicano.

Esta exposición es el resultado de 4 años de investigación por parte de experos del Instituto Nacional de Antropología e Historia, y consta de 44 fotografías individuales, mas un mosaico compuesto por una cantidad igual de imágenes.

Por medio de tomas fotográficas, el público puede admirar el entorno natural del macizo montañoso y la pictografía ancestral que se despliega en áreas conocidas y en rincones inaccesibles. También destacan imágenes captadas durante la realización del programa de visitas familiares y en la actividad de observación astronómica: Noches de las estrellas.

Bajo la coordinación de la arqueóloga Eréndira Contreras Barragán, las imágenes son producto del trabajo de exploración y registro realizado por investigadores del Proyecto Arqueológico La Pintada: Dai Elihu Blanquel García, Manuel Graniel Téllez y Alma Nohemí Vega Barbosa, y por colaboradores como Ireri Quijada Contreras y Sergio Quiroz Olvera.

“Por la cantidad de pinturas rupestres, superposiciones y tipo de diseños en diferentes estilos y técnicas de ejecución, creemos que el funcionamiento de La Pintada debe haber tenido una temporalidad muy larga, es decir, tuvieron que intervenir varias generaciones desde épocas muy antiguas.

“Debido a que los rasgos de las improntas pueden ser indicadores para determinar fechas y características culturales de quienes las realizaron, con esta investigación hemos encontrado ejemplos de pictografías prehistóricas debajo de representaciones posteriores a la llegada de los europeos, e inclusive imágenes de una connotación simbólica”, explicó Eréndira Contreras.

Las evidencias arqueológicas de este sitio, que actualmente recibe visita de manera controlada, consisten en herramientas rudimentarias y desechos de lítica, fragmentos de cerámica y concha, entre otras, que señalan que este fue un lugar de confluencia entre varios grupos, quienes montaban campamentos abiertos en los alrededores del cañón, y realizaban actividades domésticas y de carácter propiciatorio para la caza y recolección, lo que ocurrió probablemente entre 700 y 1600 d.C.

En las manifestaciones gráfico rupestres quedaron representados venados, reptiles y aves; así como figuras humanas estilizadas, algunas de las cuales aparecen adornadas con cuernos y pieles de animales, o con los brazos en alto, en actitud de imploración o danza.

Otras imágenes plasmadas son figuras antropomorfas que portan armas y lo que parecen ser emblemas; unas se encuentran aparentemente arrojando proyectiles y también se pueden apreciar diseños híbridos o fantásticos de hombre-animal. Otros trazos son de carácter puramente geométrico, arte abstracto que es testimonio de la sensibilidad de sus creadores.

Para pintar estas imágenes en las paredes rocosas, abundó Contreras Barragán, investigadora del Centro INAH Sonora, se utilizaron colores elaborados con óxido de hierro para los tonos rojo, café, anaranjado y amarillo; calizo para el blanco; y carbón vegetal para el negro.

“La mayoría de los motivos están realizados con la técnica del positivo y fueron aplicados directamente con los dedos. A pesar de que no sabemos con seguridad cuál fue el aglutinante para fijar estos colores, es posible que hayan usado resinas vegetales, nopal o grasa animal”.

Algunas de las paredes donde están plasmadas las pinturas rupestres fueron motivo de vandalismo, cuyos grafitis fueron eliminados en años recientes por restauradores del INAH, apoyados por voluntarios de Hermosillo. Gracias a ello, los visitantes pueden admirarlas limpias, lo que también implica un compromiso de cuidado del patrimonio.

Cabe mencionar —concluyó Eréndira Contreras— que un convenio entre los gobiernos municipal, estatal y federal, que permitirá un trabajo coordinado y conjunto, en mediano plazo se hará posible la apertura del sitio con los servicios y la infraestructura necesaria para una visita segura y cómoda.