Las blancas nos indican que las notas son naturales o sin alteraciones: DO, RE, MI, FA, SOL, LA, SI.; el orden es de izquierda a derecha.

Las teclas negras son notas alteradas: DO#, RE#, FA#, SOL#, LA#.

Entre las notas MI – FA; SI – DO; no existe tecla negra porque solo hay medio tono entre ellas, y en los demás casos la diferencia entre las notas naturales es de un tono, y da la posibilidad de dividirlo en dos.

Aunque eran independientes entre sí, se combinaban de forma que podrían ejecutarse seguidas. Estas melodías estaban dispuestas de manera tal que presentaban fuertes contrastes entre los tempos lentos y rápidos y los modos majestuosos y alegres.

Los cuatro movimientos básicos de una suite eran la alemanda, una danza tranquila en tempo moderado, compuesta en compás cuaternario simple de 4/4; la courante, una danza viva, a menudo compleja en sus ritmos; la giga, una danza rápida y llena de vida, también en tiempo triple; la zarabanda, una danza de movimiento pausado y carácter noble en compás ternario.

Ésta última es de origen español, con una melodía formada por valores largos y cargada de adornos.

El preludio, que no se derivaba de ninguna forma de danza, sería posteriormente incluido según los casos al comienzo de la suite.

También a veces se insertaban formas de danza como el minué, la gavota, la chacona y el pasacalles entre la zarabanda y la giga.

La suite de danzas alcanzó su perfección en las obras de Johann Sebastian Bach, que escribió suites para violín solista, violonchelo solista, teclado y orquesta. En los siglos XVIII y XIX se fundió con la sonata y quedó gradualmente supeditada a ella.

Las composiciones modernas del mismo nombre son básicamente obras sinfónicas que se caracterizan por una considerable libertad de estructura y tonalidad.

Ha sido considerada la expresión fundamental y predominante de la música tonal dado que funciona por el contraste y la eventual resolución de tonalidades contrapuestas.

A mediados del siglo XVIII los compositores organizaron su música según un esquema de relaciones tonales conocido como forma sonata, llamada así porque evolucionó en primer lugar hacia la sonata da chiesa del barroco.

Este esquema puede analizarse como una forma de dos o de tres partes. La más primitiva del periodo preclásico (1720-1760), se analiza en dos partes, la primera establece una tonalidad central principal, llamada tónica en la terminología de la armonía funcional para luego modular a un centro secundario, generalmente la dominante (tonalidad cuya escala comienza en el quinto grado de la escala de la tonalidad principal). La segunda parte comienza sobre la dominante y evoluciona a otras tonalidades, para concluir en la tónica. El material melódico consiste en uno o más motivos o temas indicados en tonalidades distintas. A veces las tonalidades de la tónica y de la dominante poseen cada cual sus propios temas. Las relaciones tonales en el concepto de la forma sonata de dos partes ya eran habituales en la música vocal e instrumental de finales del siglo XVII. La innovación más notable del siglo XVIII fue una mayor coordinación entre las melodías y las tonalidades.

El análisis de la forma sonata como esquema de tres partes se apoya en las modificaciones que tuvieron lugar durante la época del clasicismo (a finales del siglo XVIII). El presupuesto tonal siguió siendo el mismo que antes, pero con un mayor peso en el carácter del material melódico y una coordinación más consistente entre las melodías y las tonalidades. En lugar de un tema o una serie de temas en la primera sección, surgieron dos grupos distintos de temas, uno en la tonalidad de la tónica y otra en la de la dominante.

Los temas en la tonalidad de la tónica suelen ser vigorosos en su carácter, con ritmos quizá rápidos y fuertemente acentuados; mientras que los temas en la tonalidad de la dominante suelen ser más líricos o distendidos. Además, la primera sección de muchos movimientos de forma sonata clásica comienzan con una lenta introducción y concluyen con una breve coda.

Las partes segunda y tercera de la forma sonata clásica surgieron a partir de la segunda sección de la forma sonata preclásica. La segunda sección nueva prolonga la apertura de la antigua segunda sección, que contenía breves desviaciones hacia otras tonalidades. Estas desviaciones se hicieron cada vez más prolongadas y abundantes y el material melódico de la primera sección comenzó a desarrollarse extensamente por medio de la fragmentación, la alteración, la combinación y otros medios.

La tercera sección repetía los temas principal y secundario, ambos en la tonalidad de la tónica (o comenzando con la subdominante, de modo que la modulación al subir una quinta hacia el segundo tema devolviera la música a la tónica).

A mediados del siglo XIX los nombres de las tres secciones correspondían a sus funciones: exposición, desarrollo y recapitulación. Aún utilizaban el esquema de la forma sonata los compositores que escriben en lenguaje tonal, aunque cada vez es menos frecuente desde que a principios del siglo XX la tonalidad dejó de ser la fuerza dinámica de la música occidental.

El sistema dodecafónico se creó para dar cohesión formal a la música atonal, y ha desempeñado el mismo papel que la forma sonata en la música tonal.

Sonata, se deriva de la palabra italiana suonare, que significa sonar, y es una composición musical para uno o más instrumentos.

Por una parte, el término forma sonata se refiere a la estructura musical de los primeros movimientos de las sonatas y de los géneros relacionados con ella en los siglos XVIII y XIX. Pero también desde mediados del siglo XVIII, el término sonata ha sido utilizado generalmente para las obras de tres o cuatro movimientos para uno o dos instrumentos, como sucede en las sonatas para piano (solista) o con la sonata para violín (para violín con un instrumento de teclado).

Se suelen usar términos distintos al de sonata en obras que presentan la misma disposición pero que están compuestas para otras combinaciones instrumentales; por ejemplo, la sonata para orquesta se llama sinfonía, la sonata para un instrumento solista se llama concierto, y la sonata para cuarteto de cuerdas se llama cuarteto de cuerdas.

Durante los siglos XVI y XVII el término sonata, que aparecía con creciente frecuencia en los títulos de las obras instrumentales, significaba meramente pieza sonora instrumental distinguiéndose así de las composiciones vocales.

El término no implicaba entonces una forma o estilo de composición específico. La forma y el estilo se desarrollaron en Italia a finales del siglo XVI y principios del XVII, al cultivarse por vez primera la música instrumental a gran escala. La forma tenía varias secciones claramente delineadas en tempos y texturas contrastantes, como una sección tipo danza seguida de una melodía lenta con acompañamiento, a la que seguía una sección rápida en forma de fuga. Dichas composiciones no necesariamente se llamaron sonatas; más a menudo se utilizaban los términos ricercare o canzona.

Durante la década de 1630 el número de secciones en dichas piezas tendía a disminuir a tres o cuatro, mientras que aumentaba la longitud de las secciones restantes y la estructura formal se volvía más compleja, incorporando relaciones a largo plazo en las que intervenían el ritmo, la armonía, la melodía y otros rasgos musicales. Finalmente, las secciones se convirtieron en movimientos separados.

Hacia el siglo XVII emergieron dos categorías: la sonata da chiesa, o sonata de iglesia, una obra seria con cuatro movimientos con la estructura lento-rápido-lento-rápido y que reflejaba la complejidad del contrapunto de los más antiguos ricercare y canzona; y la sonata da camera, o sonata de cámara, una serie de movimientos cortos con origen en la danza, precursora de la suite.

La combinación instrumental más típica para la sonata durante el barroco medio y tardío fue la sonata a trío: dos instrumentos melódicos acompañados por el bajo continuo (un instrumento bajo melódico apoyado por un instrumento armónico).

El maestro por excelencia de la sonata a trío del siglo XVII fue el violinista italiano Arcangelo Corelli. También se escribieron sonatas para pequeños conjuntos instrumentales (incluidas muchas de Corelli) y para instrumentos solistas, como las sonatas de Johann Sebastian Bach para violín y para violonchelo solistas, y las sonatas para teclados solistas del alemán Johann Kuhnau.

También se escribieron obras para un único instrumento melódico y bajo continuo, entre ellas las sonatas para violín del austriaco Heinrich von Biber, autor de las admirables sonatas del Santo Rosario para violín.

Durante la época preclásica y del clasicismo temprano, la sonata da chiesa, influida por la sonata da camera, evolucionó hacia una forma definida de tres o cuatro movimientos, el primero de los cuales generalmente estaba en forma sonata y poseía un tempo moderadamente rápido, el segundo tempo lento, y el movimiento final, en tempo rápido. Cuando se componía un cuarto movimiento, había un minué que se insertaba antes del movimiento final.

A mediados del siglo XVIII el término sonata comenzó a utilizarse únicamente cuando el medio interpretativo era un instrumento de teclado solista o algún otro instrumento solo acompañado por un teclado.

La forma sonata junto con sus principios, influyeron en la música de la época, no sólo en las sonatas instrumentales, sino también en las sinfonías, los conciertos y los cuartetos de cuerda, así como en otro tipo de música de cámara.

La sonata clásica queda ilustrada con las obras de Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven, los grandes maestros del clasicismo vienés. Al igual que la mayoría de los compositores del siglo XIX, Beethoven escribió sonatas en cuatro movimientos, pero en sus últimos años a veces abandonó la disposición propia de la sonata en favor de una cantidad de movimientos menor o mayor.

Durante el siglo XIX, la tradición de la sonata clásica se mantuvo en manos de compositores austriacos y alemanes del romanticismo como Franz Schubert, Robert Schumann y Johannes Brahms. Sin embargo, muchos compositores, entre ellos el pianista polaco Frédéric Chopin, tenían más facilidad para las piezas cortas que para las obras de mayores dimensiones; cuando escribían sonatas, tendían a no tomar en cuenta las relaciones musicales a gran escala y escribían movimientos sorprendentemente diferenciados, cuya estructura interna realzaban haciéndoles corresponder unos episodios diferenciados. Otros, como el pianista húngaro Franz Liszt, no tomaron en consideración gran parte del esquema tradicional. Su Sonata en si menor es una obra larga en un movimiento, que se parece al planteamiento del poema sinfónico.

Los compositores del siglo XX han seguido esquemas muy diferentes para escribir sus sonatas. Algunas, como las de Samuel Barber, son largas piezas escritas en la tradición del siglo XIX. Otras, como las del ruso Ígor Stravinski, han vuelto a los principios clásicos de la contención y la claridad formal. Un tercer grupo, como las del estadounidense Charles Ives, utilizan el término sonata de forma indefinida para sugerir en la mente del oyente las grandes tradiciones del pasado, pero con una estructura y carácter que tienden al individualismo.

El significado del término sonata, por todo ello, está volviendo a su definición original, algo ambigua, como pieza instrumental sin que implique de modo necesario unas características predeterminadas.

El motete se originó a principios del siglo XIII. Por aquel entonces, los compositores solían tomar un pasaje florido del canto gregoriano, transcribirlo en notas largas y añadir otras partes vocales encima. Dichas composiciones, que se tocaban durante el curso del canto de donde se había sacado el extracto, se llamaban clausulae.

Dado que el fragmento del canto original solía escribirse sobre una única palabra o sílaba, este mismo fragmento de texto se utilizaba como cláusula en todas las partes vocales.

El motete surgió cuando se añadieron palabras (en francés, mots) a las partes vocales superiores.

A partir de 1250, los motetes se componían expresamente como piezas independientes y no meramente como clausulae. Las características principales del género eran el uso de más de un texto de forma simultánea, a veces en idiomas diferentes, así como la utilización de un segmento de canto gregoriano en la parte vocal más grave.

La estructura musical de los motetes se volvió extremadamente compleja durante el siglo XIV e incorporó la técnica de la isorritmia (la repetición de patrones rítmicos y melódicos separados y superpuestos) generalmente en la parte del tenor. A veces las partes agudas llegaron a tener compases diferentes sonando de forma simultánea.

El motete perdió popularidad a inicios del siglo XV, cuando surgió un estilo de música más ligero y melodioso. A partir de 1450, revivió y se convirtió en el vehículo maestro de la experimentación en la composición musical.

Los motetes de los siglos XV y XVI solian ser composiciones corales con un texto único y una textura uniforme en su polifonía. Sin embargo, a partir de 1600, se empezaron a emplear de forma habitual instrumentos y voces solistas.

Los motetes tendían a parecerse a otros tipos de música, como la cantata o las canciones solistas o a dúo.

Después de 1750 cayó en desuso, si bien los compositores han seguido escribiendo hasta los tiempos presentes obras vocales sagradas que denominan motetes.

Aquí pongo una tabla de intervalos con notas naturales abarcando una escala de ocho notas, (DO- DO), que es la escala de DO Mayor, y todas sus notas son naturales, es decir, no tienen ningún tipo de alteración. Todas las distancias, toman como base la primer nota.

Como se ve, a partir de la cuarta justa, se aumenta medio tono, volviendo a ser tono completo en la octava justa, la razón es que entre las notas MI – FA, y SI – DO, existe solamente medio tono de distancia.

Para entender mejor esta tabla, hay que checar dos cosas:
La primera es que la cuenta de tonos esta formada a partir de una nota base, y la otra, es que para hacer el conteo, se toma como primer nota la base; es decir, la segunda mayor, entre DO y RE, esta contada a partir del DO; y en la quinta justa, DO y SOL, también esta contada a partir del DO.

Otra forma de ver los intervalos, es ver la distancia entre la nota siguiente o anterior de la que vamos a empezar a medir.

Y a partir de estas distancias, hacer las combinaciones necesarias, para ver de que intervalo se trata; por ejemplo, si tomamos las notas RE y LA, primero contaremos cuantas notas son, (re, mi, fa, sol, la), el resultado son CINCO notas, entonces es una QUINTA; después contamos los tonos que hay entre estas notas,(re – mi, 1; mi – fa, 1/2, fa – sol, 1, sol – la, 1), entonces: 1+1/2+1+1 = 3 1/2 tonos; ahora juntamos esta información:
ya vimos que es una quinta, por tener cinco notas; que tiene 3 1/2 tonos de distancia, checamos con la tabla, y encontraremos, que esta combinación, nos da una QUINTA JUSTA, (5J).

Otro ejemplo: DO – FA; seguimos los pasos, y vamos que son cuatro notas, entonces es una CUARTA; contamos los tonos: 1+1+1/2= 2 1/2 tonos, checamos la tabla, y obtenemos: Cuarta con 2 1/2 tonos, entonces obtenemos una CUARTA JUSTA, (4J).

Es cierto que no todos los intervalos se forman a partir de notas naturales, o de la nota DO, y también es cierto que no todos lo intervalos son mayores o justos; porque también existen las notas alteradas, por lo cual es necesario e imperante que se haga el conteo de tonos y medios tonos para obtener el resultado correcto. Como recomendación, después de hacer el conteo y vemos que nos falta medio tono, en el caso de los Mayores (M), se vuelve menor (m); y en el caso de los Justos (J), se vuelve disminuido (d). Por el contrario, si nos sobra medio tono, en el caso de Mayores y Justos, se vuelven aumentados (A).

Ejemplos:

FA# – LA: el número de notas es 3; la cantidad de tonos es 1 1/2 tonos; entonces es una tercera menor porque tenemos 1/2 de menos: 3m.
DO – FA#: el número de notas es 4; la cantidad de tonos es 3 tonos; entonces es una cuarta aumentada porque tenemos 1/2 tono de mas: 4A

Por supuesto, que se tiene que practicar constantemente este ejercicio, para llegar a mecanizarlo y sea mas fácil; y para ayudar a eso, les escribo la siguiente tabla de intervalos sin notas de referencia: