Se compone de 274 piezas; y se muestran las dos versiones que existieron en México de los años 30 y 40 sobre el nazismo y el fascismo. Po una parte, intelectuales como José Vasconcelos y Gerardo Murillo, el famos Dr. Atl, y periodistas como Pablo Gonzalez Ordorica y Juan Osorio, apoyaron esas ideologías, mientras que en contra parte, Diego Rivera, Raúl Anguiano, Leopoldo Mendez y Pablo O´Higgins, entre otros, las combatieron en favor del socialismo.

En la primera parte, la muestra acopia documentos que explican el fin de la Primera Guerra Mundial y los antecedentes del fascismo en Europa, luego el ascenso del Nazismo, la Guerra Civil Española y la derecha radical en México.

También se muestran citas insólitas del Dr. Atl en favor del nazismo y en contra de los judíos, así como gran parte de la gráfica antifascista mexicana, encabezada por los muralistas, así como Leopoldo Méndez y Chavez Morado, entre otros.

Al final de la muestra, se exhibe la pintura, El refugio de Hitler, de Diego Rivera, sobre el lugar devastado que ocupó el líder del nazismo a la caída de Berlín. Aquejado por el cáncer, el muralista viajó a Moscú en 1955, a fin de encontrar una cura. Durante ese viaje recorrió diversas ciudades de Europa y hace una escala en Berlín, donde es testigo de la devastación que aún permanecía, ocasionada por la Segunda Guerra Mundial.

En lo que habría sido el jardín de la Cancillería, visita las ruinas del Búnker que Adolfo Hitler se construyó, previo a la toma de la ciudad y a la caída del Tercer Reich. A su regreso a México, Rivera pintó ese emblemático cuadro que muestra la visión del artista sobre el fascismo y el futuro de la humanidad: el socialismo.

La exposición Dos miradas al Fascismo: Diego Rivera y Carlos Monsiváis, podrá ser visitada de miércoles a lunes de 10:00 a 18:00 horas, desde el 4 de agosto hasta enero de 2012, en el Museo del Estanquillo, Colecciones Carlos Monsiváis, con el apoyo de la Secretaría de Cultura del Distrito Federal. El museo se encuentra en Isabel la Católica 26, esquina Madero, en el Centro Histórico.

Durante un recorrido con medios de comunicación, Miriam Kaiser, directora de Exposiciones del INAH, explicó que la muestra está integrada por 106 obras, entre las que sobresalen dos cabezas colosales, conocidas como la 5 y la 9, de cuatro y seis toneladas, respectivamente, y tres mil 200 años de antigüedad. Ambos monolitos fueron hallados en la Zona Arqueológica de San Lorenzo, Veracruz, y forman de la colección del Museo de Antropología de Xalapa.

Este par de cabezas con la efigie de rostros masculinos —la 5, de 1.82 m de alto por 88.9 cm de ancho y 67.3 cm de espesor, y la 9, de 1.65 m de alto, 1.36 m de ancho y 1.17 m de espesor —, se suman a otras dos de grandes dimensiones que se exhiben de forma permanente en el MNA, de tal suerte que el público puede ver cuatro de estos majestuosos monumentos hechos en basalto.

“De las 17 cabezas halladas en la región del Golfo de México —la mayor de ellas de 24 toneladas—, no hay ninguna igual a otra, todas tienen rasgos distintos y, por lo general, representaban a gobernantes; sin embargo, no se ha encontrado ninguna escritura que permita saber a qué jerarca corresponde cada una de ellas. La cultura olmeca todavía guarda muchos enigmas y secretos”, subrayó Miriam Kaiser.

Por su parte, la arqueóloga Érika Gómez, coordinadora de proyectos de exposiciones del INAH, comentó que la muestra se divide en cuatro apartados: la primera alude a la época de esplendor de la cultura olmeca (de 1800 – 400 a.C.), continúa con la exhibición de diversas piezas escultóricas representativas de jerarquía y poder. La tercera parte se refiere a las regiones influenciadas por los Olmecas, y finaliza con el legado de esta cultura, enfocado a sus técnicas escultóricas y cuestiones agrícolas.

Entre las piezas de gran formato, se encuentra el conjunto de esculturas denominado los Azuzules, en alusión al sitio donde fue encontrado, en El Azuzul, Veracruz; se trata de cuatro esculturas, de las cuales para esta exposición se presentan tres: un jaguar y dos personajes que representan a dignatarios o sacerdotes denominados Gemelos, toda vez que son prácticamente idénticos.

Debido a que la mayor parte de la exposición se conforma de esculturas de grandes dimensiones, éstas fueron montadas, con las medidas de seguridad pertinentes, en la parte externa a las salas de Culturas de la Costa del Golfo, Oaxaca y Mexica, del MNA.

Obras Colosales del mundo Olmeca también incluye objetos de cerámica, jade y un busto de madera de la Zona Arqueológica El Manatí, en Veracruz, de hace tres mil 200 años, las cuales se exhiben en sala, con las condiciones climáticas que requieren.

Entre ellas se encuentra un par de hachas votivas elaboradas en jadeíta, que datan del periodo de 900-400 a.C., halladas en La Venta, Tabasco. Una de ellas representa una estilizada mazorca de maíz, y la otra está personificada, de tal forma que muestra un par de ojos debajo de una cinta para la cabeza con una planta de maíz central, flanqueada por dos mazorcas más pequeñas.

Además se presenta la Ofrenda 4 (La Venta, Tabasco, 900-400 a.C.), compuesta por objetos de jadeíta, serpentina y, posiblemente, granito. La colección consta de una extraordinaria reunión de objetos que representan una escena ceremonial, mediante seis hachas de jadeíta que forman un muro y una figura humana en el centro. Frente a ellas hay 15 figurillas humanas, dos de jadeíta y 13 de serpentina, estas últimas representan a individuos con cabezas rapadas.

El contorsionista es otra de las piezas sobresalientes de la muestra, y procede de Las Choapas, Veracruz (1200-600 a.C.). La escultura representa a un acróbata mirando hacia adelante con los pies en la cabeza. La pose acrobática, que se ha observado en diversas esculturas monumentales y objetos de escala pequeña, fue una representación simbólica —tanto para los olmecas como para los primeros mayas— del gobernante personificado como dios maíz.

El Monumento 34, del municipio de Texistepec, San Lorenzo, Veracruz (1400–1000 a.C.), es otra de las piezas de gran formato de la muestra que alberga el Museo de Antropología; mide casi un metro de altura y fue depositada como ofrenda en la época prehispánica.

Otras obras olmecas que destacan son: la escultura de El Jaguar Danzante, también de más de un metro de alto, que representa a un felino en pose agazapada y que fue hallada en Tuxtla Chico, Chiapas (600-300 a.C.); el Monumento 19, del municipio de Acayucan, Laguna de los Cerros, Veracruz (1200-1000 a.C.), de más 1.5 metros de altura, que consta de una escultura que representa a un individuo de pie y decapitado, quizá durante un cambio de poder.

Los visitantes también pueden apreciar la escultura El Príncipe, del municipio de Sayula de Alemán, Cruz del Milagro, Veracruz (1200–900 a.C.), de 1.30 m de alto, que muestra a un hombre sentado con las piernas cruzadas, la cual podría representar a un líder o gobernante local en un pueblo que estaba bajo la autoridad de un centro más importante, como San Lorenzo.

La olmeca es una cultura muy atrayente, cuya grandeza ahora puede ser admirada por el público nacional en Obras Colosales del mundo Olmeca, exposición que conquistó al público estadounidense durante los casi ocho meses de exhibición en las ciudades de Los Ángeles y San Francisco.

Con la curaduría de Virginia Mary Fields, recientemente fallecida y quien fuera especialista de Arte en América Antigua, del Museo de Artes del Condado de Los Ángeles, EU, la magna exposición se integra con piezas procedentes de museos como el de Antropología de Xalapa, y Tuxteco (Veracruz); Amparo (Puebla); Regional de Chiapas, y Arqueológico de Tapachula (Chiapas); Parque Museo La Venta (Tabasco); de Antropología “Palacio Cantón” (Yucatán), entre otros.

Obras Colosales del mundo Olmeca permanecerá en el Museo Nacional de Antropología (Reforma y Gandhi, Bosque de Chapultepec) hasta finales de octubre. Costo de acceso al museo: 51 pesos. Horario: martes a domingo de 9:00 a 19:00 horas. La entrada es gratuita para niños menores de 13 años, estudiantes y maestros con credencial vigente; adultos mayores de 60 años, jubilados y pensionados. Domingos entrada gratuita a público nacional y a extranjeros residentes en México. (Con identificación vigente, IFE o FM correspondiente).

Estos cuadros, que presumiblemente formaron parte de un retablo barroco, proceden del Museo de Guadalupe, Zacatecas, y llegan ahora al museo de la Angelópolos, dende se estarán mostrando hasta enero de 2012.

La muestra está organizada por el INAH, exhibe esta serie de medallones pintados por Cabrera (uno de los más celebres pintores novohispános), entre los que destacan: LA ANUNCIACIÓN, EL CASAMIENTO DE JOSÉ, EL NACIMIENTO DE JESUS, LA CIRCUNCISIÓN, LA ADORACIÓN DE LOS REYES MAGOS, LA MUERTE DE CRISTO Y LA ASUNCIÓN.

Las obras pictóricas tienen el mismo formato, por lo cual se piensa que originalmente formaron parte de un retablo mariano de algún templo de Zacatecas. Sin embargo, Violeta Tavizón Mondragón, subdirectora del Museo de Guadalupe y curadora de la muestra, señala que no se ha encontrado ninguna documentación del altar original.

“Los medallones —llamados así porque son óleos de forma oval— posiblemente formaron parte de un retablo mayor, pero en el siglo XIX se les colocó el marco que ahora tienen, que es una moldura de yeso con hoja de oro”.

Los 14 óvalos de la serie exponen en forma cronológica, de acuerdo con la descripción de la Biblia, episodios clave de la vida de la Virgen; de éstos sólo el que representa La Anunciación de la Virgen María, está firmado por Miguel Cabrera, “esto debido a que en esa época era costumbre de los artistas únicamente firmar la primera obra del conjunto”, explicó Tavizón Mondragón.

Al hablar del valor estético e histórico de las obras de Miguel Cabrera, la curadora comentó que fue uno de los pintores más connotados del siglo XVIII, quien elabora estos cuadros a partir de un tratado denominado El arte de la pintura, del español Francisco Pacheco, en el cual se narra la vida de la Virgen y de Jesús, y se establece la forma en que deben pintarse los personajes, lo que estaba permitido y lo que no.

“Cabrera pintó las escenas tal cual lo estableció Pacheco en su tratado, con los rostros muy dulces, la piel sonrosada y el uso de colores cálidos, que representaban parte del ideal para las mujeres novohispanas, de tomar como ejemplo la vida de la Virgen María. Es un conjunto característico de la última etapa del barroco del siglo XVIII”.

Nacido en Oaxaca, Cabrera fundó en la Ciudad de México un taller de pintura, en el que se formaron pintores célebres como José de Ibarra. “Marcó un estilo estético en el arte plástico, en particular en la pintura barroca, la cual era muy contrastante entre luces y sombras, y la volvió una pintura más dulce, con colores cálidos; además, en muy poco tiempo logró una extensa producción artística, con lienzos de grandes dimensiones, como los que lucen en la Escalera Regia del Museo de Guadalupe, en Zacatecas”.

Violeta Tavizón comentó que México resguarda un acervo importante de Miguel Cabrera, en museos como los nacionales de Historia “Castillo de Chapultepec” y del Virreinato, las catedrales de México y Puebla, y el Museo de Guadalupe, en Zacatecas, al cual pertenece esta serie de 14 óleos, junto con un lienzo titulado La adoración de los pastores y otros dos cuadros de gran formato.

La curadora abundó que si bien, la mayor parte de la producción de Cabrera fue la pintura religiosa, también destacan los retratos que hizo de la sociedad novohispana del siglo XVIII, al igual que la serie de pinturas de castas. “Plasmó cada una de las clases sociales, que eran 22, y retrató a personajes connotados de la época, como Sor Juana Inés de la Cruz; cuadros que están bajo resguardo del Museo Nacional de Historia”.

Tavizón refirió que Miguel Cabrera fue el primer pintor que revisó la tilma de Juan Diego en 1751, y cinco años después publicó un estudio titulado Maravilla americana y conjunto de raras maravillas, en el que describe el cuadro y concluye que se trata de una “obra divina”.

“Cabrera era un excelente pintor y uno de los más prolíficos, ya que se conocen alrededor de 600 obras suyas esparcidas en el país y en el extranjero. Para 1756, cuando ocurre el deceso de José de Ibarra (quien fuera uno de sus más destacados aprendices), ya era considerado el pintor más importante de la Nueva España”, concluyó la especialista.

Finalmente, Delia Domínguez, directora del recinto poblano, comentó que la exposición Miguel Cabrera, un ideal novohispano, se complementa con el óleo José con Niño Jesús en brazos, pieza que se atribuye al mismo autor y que forma parte del acervo del Museo Regional de Puebla.

El Museo Regional de Puebla se ubica en avenida Ejército de Oriente s/n, Centro Cívico Cinco de Mayo, zona de los Fuertes de Loreto y Guadalupe. Horario: martes a domingo de 9:00 a 17:30 horas. Costo de acceso: 41 pesos, entrada gratuita a menores de 12 años, estudiantes y maestros con credencial vigente, y personas de la tercera edad; domingos la entrada es libre para el público mexicano.

Esta exposición se encuentra en el Museo del Carmen, en donde permanecerá hasta el 26 de junio, las obras pertenecen a autores como José María Velazco, Gerardo Murillo Dr. Alt, Joaquín Clausell, Johann Moritz Ruguendas, aul Fisher, Rapul Anguiano, Alfredo Zalce, Rosario Cabrera, Luis Nizhizawa y Rufino Tamayo.

Se divide en dos apartaos, por un lado la pintura creada durante el siglo XIX, con marcada influencia de los creadores euopeos; y por otro lado, la surgida en el siglo XX, con artistas que renovaron el concepto académico y produjeron obras con mayor soltura y libertad.

Esta exposición junto con la que se exhibió el año pasado en este mismo museo, con el título Rostros y tradiciones de México, han itinerado por diversos recintos culturales de ciudades como Veracruz, Ensenada, Mexicali, Torreón, Chihuahua, Guadalajara y el Museo Dolores Olmedo, DF.

Con el interés de ampliar la difusión de su acervo, constituido por más de 370 obras, la empresa ING creó el sitio web www.museovirtualing.com.mx, en el cual abrirá una nueva sección en su llamado “museo virtual”, que estará integrada por diez grabados de José Guadalupe Posada, nueve obras anónimas del siglo XVIII y una colección de 26 máscaras.

Horizontes. Pasión por el paisaje continuará en exhibición hasta el 26 de junio en el Museo de El Carmen, ubicado en avenida Revolución número 4, colonia San Ángel, de martes a domingo de 10:00 a 17:00 horas. Costo de admisión: 41 pesos. Entrada gratuita para maestros y estudiantes con credencial vigente, personas de la tercera edad y niños menores de 12 años.

De esta manera lo señaló la antropologa Catalina Rodriguez, investigadora del Instituto Nacional de Antropología e Historia; quien mencionó que esta segunda parte muestra la importancia de los pájaros y el uso de sus plumas entre los cerca de 40 grupos indígenas de México que se representarán en dichos objetos, que generalmente son usados en danzas y reflejan su cosmovisión.

Como se menciona anteriormente, lo que mas llama la atención es un huipil de algodón y pluma fabricado en telar de cintura, y que tiene como diseño la representación de un águila bicéfala, el cual, en dácadas anteriores adquirió fama porque se pensaba que había pertenecido a La Malinche.

“Este huipil recibió dicho nombre por la similitud con el que fue utilizado por La Malinche, de acuerdo con ilustraciones de algunos códices como el Lienzo de Tlaxcala y el Florentino. Se consideraba que su antigüedad era del siglo XVI, sin embargo, al realizarle estudios en 1999, se determinó que data de entre 1770 a 1800 d. C.”, explicó la antropóloga Catalina Rodríguez.

Junto con este singular textil, se exhibirán otras piezas que grupos indígenas consideran de alto valor simbólico, por ejemplo, un tocado que según los tzotziles da jerarquía y estatus a quienes lo portan, este adorno es de fieltro y está decorado con plumas de pavo real. Éste es usado sólo por alférez, es decir, personas encargadas de presidir actos durante las fiestas religiosas.

“De igual forma se mostrará un rebozo con plumas de gallina, llamado mamal, que es utilizado para tapar, y al mismo tiempo proteger simbólicamente al niño durante la ceremonia de bautismo entre los nahuas de Cuetzalan, Puebla”, indicó la antropóloga Rodríguez.

Además, destaca un huipil tzotzil que las mujeres de la comunidad de Zinacantan, Chiapas, deben usar el día de su boda. Este atuendo está decorado en sus orillas con plumas blancas de gallina, las cuales deben ser desprendidas la noche de bodas.

Asimismo, se mostrarán objetos de uso cotidiano para las comunidades indígenas, como cobijas, rebozos, quechquemes, huipiles, abanicos para la lumbre —también conocidos como sopladores—, adornos de joyería y artesanías hechas con plumas.

También formarán parte de la exposición piezas de barro, bejuco, madera, piedra, papel amate, tule, entre otros materiales, con representaciones de diversas aves que han sido incorporadas en mitos, que se relatan de generación en generación, sobre el origen de las cosas y la creación del mundo, según la interpretación de las diferentes etnias.

La investigadora Catalina Rodríguez, de la Subdirección de Etnografía del MNA, comentó que entre los mitos que el público podrá conocer en dicha muestra, sobresalen las narraciones mazateca —de la región de Oaxaca— y maya —de Quintana Roo—, donde el guajolote es referido como un animal sabio que hablaba varias lenguas como español, inglés, mazateco, y que entregó a los hombres semillas de maíz, calabaza y frijol, y les enseñó a cultivar iniciándose así la agricultura en la Tierra.

En ese sentido, se exhibirá una artesanía tejida con bejuco que representa a una pareja de guajolotes, la cual fue hecha por mayas de Kopchen, Quintana Roo.

Otro caso es la leyenda del pelícano, pájaro considerado por los seris de Baja California como un dios, “pues es la que les otorgó el espacio donde actualmente viven, ya que según el mito los pelícanos crearon la isla Alcatraz y después la isla Tiburón, sitios que entregaron a los hombres para que habitaran. Al mismo tiempo, estas aves les enseñaron a pescar y comer productos del mar como ellas lo hacen”, detalló la antropóloga del INAH.

Este mito será representado en la exposición con una pieza hecha a base de seis pieles de pelícano unidas, las cuales fueron curtidas sin desplumar; el uso de ésta es de vestir en forma de capa, falda o también como cobija.

“Esta pieza fue hecha en 1960 por seris de la comunidad Punta Chueca, Sonora. Hipotéticamente pudo utilizarse en la antigüedad para envolver a los niños difuntos, como se ha encontrado en depósitos funerarios de Perú”, afirmó la investigadora.

De igual forma se abordará el mito de la edificación de Tenochtitlan, el cual versa que el dios Huitzilopochtli les indicó a los mexicas que debían establecerse y crear su ciudad en un sitio donde encontraran un águila parada sobre un nopal devorando una serpiente.

“Dicho relato descansa sobre la importancia del águila como ave sagrada que simbolizaba al sol, la fuerza, la audacia, la astucia, dios de la luz y de la vida. Ésta se encuentra representada en una jícara hecha en 1960 por la cultura chontal del estado de Tabasco, donde se aprecian varias figuras, entre ellas un barco, un pozo petrolero, un camión y los escudos Nacional y el de Campeche, imágenes que simbolizan modernidad, progreso y a la nación constituida por estados federados”, expresó Catalina Rodríguez.

Así mismo, Alas del mundo indígena incluirá la representación de dos aves mitológicas en textiles, cuadros de chaquira, piedra y barro. Éstas son la serpiente emplumada y el águila bicéfala, las cuáles a pesar de no ser reales han tenido presencia en las creencias de culturas indígenas del centro y sur de México.

“Para los huicholes, purépechas, amuzgos, mixtecos, otomíes, zapotecos, totonacas y nahuas la serpiente emplumada es un ser vinculado con el principio de la humanidad, la dualidad, el agua, la tierra, la sabiduría y la habilidad para las artes. Además, por ser ‘ave y reptil’ transita entre la tierra y el cielo”, mencionó por su parte el investigador Arturo Gómez, de la Subdirección de Etnografía del MNA.

En ese sentido, concluyó, se mostrará un huipil chinanteco perteneciente al municipio de Usila, Oaxaca, que fue tejido en telar de cintura y está decorado con bordados donde se representa a la serpiente emplumada. Esta prenda es utilizada por mujeres casadas porque este ser mítico está vinculado a la fertilidad.

Cabe mencionar que la primera parte de la exposición El vuelo de las imágenes se presenta en el Museo Nacional de Arte, con el subtítulo Arte plumario en México y Europa; se exhiben más de 170 piezas prehispánicas y novohispanas que dan testimonio del desarrollo y trascendencia en el mundo de esta técnica artística de origen prehispánico.